■永遠に続く
宮島達夫
■ 3つの概念について
▶︎変化し続ける(バリエーション)
すべてが変わる。恒久的に修正できるものはありません。
それが何であれ、どんなに時間がかかっても、すべてが変わります。
アートはそのような変化を積極的に受け入れ、独自の方法でそれらを表現する必要があります。
不変性は芸術の定義のキーワード(西洋美術の歴史)でした。
芸術作品は、変更可能である場合、価値がないものとして扱われます。
しかし、私たちの実生活では、物事は変化し続けています。
アートは、ある意味で現実を反映したもので
なければならず、したがって、絶えず変化している(sastinable)必要があります。
それは人々に知恵のヒントを与えることができるでしょう。
▶︎すべてとつながる(インターラクティブ)
すべてが相互作用します。独立したものはありません。したがって、アートは積極的に何かに関与し、独自の方法でそれらを表現する(独創性)必要があります。
アートは長い間現実の世界から孤立しており、「ARTの世界」の枠組みの中で台無しにされてきました。それは芸術のサバイバルガイドでした。
それは小さな楽園を作り、現実の世界から自分自身を切り離すことによって危険から身を守りました。
しかし、そのような閉鎖的な環境(close enviroment)は、相互結婚がその複製プロセスにおいて競争力の低い結果をもたらす傾向があるため、最終的に芸術を終わらせるでしょう。
アートはあらゆる種類のものと相互作用(intaractive)する必要があります。
人々に勇気を与える力を得ることができるでしょう。
▶︎永遠に続く(Forever・∞)
すべてが永遠に続きます。
それ自体が変化するにつれて、すべてが終わりのない線上を移動します。
不死(般若心経・色即是空・空即是色)という用語に関連付けられているということは、宇宙に関連付けられていることを意味します。
人々は不滅を望んでいるので、芸術は常に不滅を表しています。
人々は芸術作品を通して不死を体験(荒川修作・死なない芸術)することができました。
アートは、突然変異の過程で不死を表しています。
それは人々に希望(無限の光)を与えることができるでしょう。
■宮島達男
宮島達男は1957年東京生まれ。宮島は、アーティストが「変化し続ける」「すべてとつながる」「永遠に続く」というコンセプトを探求し、1980年代半ばからデジタルLEDカウンターを使って、1から変化する一連のインスタレーションや彫刻を制作してきました。彼の作品では、LEDは数字の0を表示せずに暗くなります。これは、死を意味する意図的な選択であり、カウントの再開方法では、生と死の絶え間ない繰り返しを表しています。時間の普遍的な概念を扱って、彼の仕事は仏教の思想と技術の要素を融合することで国際的に高く評価されています。
このエッセイでは、1980年代に海外でデビューしてから1990年代に海外で大規模な個展を開催するまでの期間を中心に、彼のキャリアの進展と海外での仕事の評価について説明します。
1980年代初頭、東京藝術大学（現在の東京藝術大学）に留学中、宮島は「NA」を始めました。AR。」自然と人工に関連する概念に基づいたパフォーマンスシリーズ（図1）。パフォーマンスは、他の作品と並んで宮島の作品の重要な側面を形成し続けています。しかし、彼の作品が高く評価されているのは、前述の3つのコンセプトと、それを基に制作した彫刻作品やインスタレーションであり、海外でもさらに際立っていると言っても過言ではありません。
1987年に東京藝術大学大学院を卒業後、東京藝術大学での個展に向けて、現在に至るまで提唱する3つのコンセプトを策定し、新たな作品を制作してデモンストレーションを行いました。それら。この展覧会に含まれ、「永遠に続く」というコンセプトを表現するために作られたClock for 300 Thousand Years（1987）は、0.1秒ごとに変化する14個のカウンターで3,000世紀以上の時間をカウントします。「変化し続ける」という概念は、「変化し続ける」（1987）にカプセル化されているように、小さな液晶テレビの画像が電気の流れに応じて変化し続ける方法から生まれました。
バーネット・ニューマンが「ジップ」と呼んだ、垂直線の普遍的な美しさのアイデアに触発された那智の滝（1987）も登場しました。
これら3つのコンセプトは、1988年に東京の原美術館で開催された若手アーティストの発射台である第8回原アニュアルで初めて発表されたSea of Time（1988）（上図右）にまとめられました。床に配置された272個のLEDが相互に関連し、それぞれの速度で数を永遠に変化させるこのインスタレーションは高く評価されています。同年、当時の名古屋現代美術館所長の南條史生の推薦により、宮島は第43回ヴェネツィアビエンナーレの新進アーティストのためのアペルト’88部門に招待され、 300個のLEDを備えたバージョン。それで国際デビューを果たした彼の代表作となる。
バーバラ・ブルームがこの部門で最優秀賞を受賞したものの、安斎重男の新聞記事に「宮島達男、大賞を受賞した」という小見出しがあり、宮島は日本で高く評価されました。日本だけでなく、彼もまた、欧米でも注目を集めました。フィナンシャルタイムズは、展示会に多数のアーティストが参加したにもかかわらず、セクションのレビューで言及された3つのうちの1つとして宮島を選択し、宮島自身が述べたように、海外からの200を超える展示会のオファーにつながりました。
この展覧会は、1990年代に欧米で行った仕事の多くが海の時間に端を発していると彼が言うほど、宮島にとって多くの貴重な出会いをもたらしました。たとえば、展覧会の審査員の1人であるダンキャメロンは定期的に作品を展示し始め、リッスンギャラリーのニコラスログスデールが後に彼を代表しました。宮島とギャラリストのレネ・ブロックとのつながりは、1990年からベルリンのDAADアーティスト・イン・レジデンスに参加するよう招待されました。1989年にパリのポンピドゥーセンターで開催されたマジシャン・デ・ラ・テール、そして自然に逆らって：日本美術しかし、この展覧会のモニズム/デュアリズム（1989）が上映され、1989年から1991年までサンフランシスコ近代美術館などの会場を巡回した80年代。
その後、1991年にアメリカのピッツバーグで開催されたカーネギーインターナショナルに出展し、1990年代には美術館で数々の個展を開催しました。以下では、これらがどのように受け取られたかを振り返ります。
最初に明らかなのは、3つの重要な概念と仏教思想を参照しながら宮島の作品を紹介するほぼ無数の例です。3つのコンセプトを考案したとき、宮島はそれをもとに長い間作品を作り続けることができると確信し、国際デビュー以来、3つのコンセプトについて頻繁に語っています。シンプルでシンプルなこれらのコンセプトは、宮島の作品を語る人の社会的、文化的背景に関係なく理解でき、人々が彼の芸術を解釈するための入り口のように機能します。
多くの記事が宮島の時間の概念に言及しており、それをアジアや仏教徒として紹介しています。たとえば、1996年から翌年にかけて米国フォートワース現代美術館とロンドンのヘイワードギャラリーで開催された個展Big Timeをキュレーションしたマイケル・オーピングは、次のように書いています。
宮島は、時間の理解が宗教と精神性の基本的な定義。23歳のときに仏教哲学を学び始めた芸術家は、仏教を単に「時間に関する宗教」と呼んでいます。宮島の絶え間なく変化する数値画像は、仏教哲学と現代物理学の両方で定義されているように、広大な宇宙の複雑さを視覚化するという大きな課題に取り組んでいます。
言うまでもなく、彼の作品の中核は時間の概念の探求であり、宮島自身もしばしばその概念について議論しています。Sea of Time and Running Time（1993）では、LEDを備えた無数のおもちゃの車が走り回っています。どちらも、タイトルの中で時間を参照しています。ランニングタイムは、1993年にクンストハレチューリッヒで開催された宮島の個展でもタイトルを共有しています。前述のビッグタイムは、アーティストが彼の名前を通じて時間のテーマとの関わりを示す方法のもう1つの例です。展示会。時間は国境を越えた概念です。それは、誰もが普遍的なものとして、彼らに関連するものとして話すことができるものです。
また、時間を扱うことで時代を超越するアーティストとしての宮島の議論も見ることができます。世界的な時間基準の名を冠した場所であるロンドンのグリニッジで開催された1995年の個展のキュレーターであるジェームズ・リンウッドは、次のように述べています。 19世紀初頭の風景画の前で感じたかもしれないような恐怖や畏怖の念。」1990年代の宮島を振り返ると、ダン・キャメロンは次のように述べています。 」
この時間の概念から派生した、宮島の作品の大きな物理的および概念的スケールについての議論もよく見られます。1991年の初期の個展のカタログから抜粋したLynneCookeの次の解説は、この優れた例です。
この抽象化の傾向は、「純粋な」数、つまり、含まれているすべての形式と構造から切り離された数に重点を置くことによってさらに強化されます。数字はほとんど幻覚的な強さを帯びています。したがって、全体を一目で内面化するこのプロセスが行われると、リズム、繰り返し、再発、周期性、持続時間、流れなどの概念の考慮に注意が移ります。これは必然的に時間の性質と性質についての瞑想につながり、それを通して宇宙論に関係する質問につながります。時間の性質の理解は、宇宙全体、宇宙、したがって宇宙論に対する人類の理解と常に密接に関連しています。
一方、宮島の作品は「禅」や「ハイテク」という言葉でもよく議論されます。しかし、厳密に言えば、「禅」と「仏教」は互換性がありません。また、宮島が繰り返し採用しているLEDは、当時すでに一般的に使用されており、特に「ハイテク」ではありませんでした。宮島はまた、ハイテクに関連するメディアアートから距離を置き、メディアアートの展示会への招待を拒否しているようです。1990年代初頭のバブル経済期の日本では、電子機器製造業が発展し、その製品を欧米に輸出し、その結果、「ハイテク」は世界のこれらの地域で日本のステレオタイプになりました。宮島の作品は、この日本のイメージとともに「禅」と「ハイテク」として発表されましたが、アズビー・ブラウンは
非常に多くの外国人コメンテーターが、1）「禅のシンプルさ」と、2）「ハイテク日本」の観点から[宮島の作品]を説明しています。これらの固定観念は避けるべきだと思います。
実際に作品が海外ですぐに受け入れられる理由の1つかもしれませんが、現代日本からどのような芸術が生まれるかについての西洋人の先入観にうまく適合しています。宮島の作品については、特に「日本人」は何も見つかりません。しかし、私は真実の探求の反映、そしてその中で数学が果たした役割、そしてグローバルな文化の反映を見つけます。
ここで宮島と商業芸術市場との関係に目を向けると、1988年のヴェネツィアビエンナーレでの彼の成功により、著名なギャラリーが彼を代表し、彼の作品を販売しました。翌年名古屋の高木ギャラリーで開催された個展では、すでに250万円相当のインスタレーションが新聞評論の冒頭で紹介された。[12]海外では、ニューヨークでの彼の最初の個展が1990年にギャラリーLuhring Augustineで開催され、そこですべての作品が販売された。このギャラリーを通じて、宮島は1991年にロンドンのアンソニー・ドファイ・ギャラリーで初の個展を開催しました。このように、30歳をわずかに超える若手アーティストが見事な商業デビューを果たしたようです。しかし、宮島は、市場から距離を置こうとした方法をよく説明します。
一方、宮島は仕事をするのにお金が必要なことをよく知っている。絵画とは異なり、彼のインスタレーションは、LEDやその他のコンポーネントのために高い製造コストがかかります。1988年のヴェネツィアビエンナーレでは、彼がアートの専門家を呼び、LEDを自分で調達するための資金を集めたという話があります。このようにして大きな作品を実現することができたのに、それが売り上げにつながらなかったのは長い間でした。
広大なスペースと専門的なスキルと予算を必要とする大規模なインスタレーションと比較して、ベースを備えたセットアップが容易な作品は、商業市場に適しているのは事実です。オークションでは、宮島作品の最高入札額は、2010年にクリスティーズ香港で開催されたTL Sakura（2005）で、長方形の鏡にLEDをあしらった作品で、約375,000ドルで販売されました。また、「変化する自己との時間の変化」の作品も「Time in Blue」シリーズも同様に高額で販売されています。
